描述不等于描述，我们对它的含义有一个模糊的理解。创建良好描述背后的逻辑是什么？绘图的图形叙述是什么？
描述不等于描述，我们对它的含义有一个模糊的理解。创建良好描述背后的逻辑是什么？图形讲故事图画有何独特之处？创作者将如何选择应对人工智能的影响？艺术家在用图像讲故事方面有哪些新的探索？我们邀请了三位艺术家在他们的创作之旅中思考这些问题。这些问题的背后，是视角的转变和思想的碰撞。当我们跳出日常惯性去观看图像时，它们带来的不仅仅是审美趣味，还有创作者生动的思想和与时代更深层次的联系。第一篇专题文章是对一位从事多年创作和教学的普通艺术家nakihave的采访。吴军从实践出发，梳理了描述的本体意义、创作的核心以及未来发展的可能性。最后，他在书籍中找到了让纯粹的插图艺术能够保持活力的基础。吴江的绘画思考也融入了他对时代的理解。他接受时代新的变化，但也认为在“快”与“慢”之间，绘画带来的手工艺是我们无法回避的。本文内容来自新京报·书评周刊12月5日特稿《世界快与慢的界线》B02-03页。 B01《主题》世界速度之间的图画 B02-B03《主题》总则图画的生命力始终在书中 B04-B05《主题》集 Intsik 与西方插画的变迁 B06-B07《主题》方方 插画插图语言与叙事的转变 李友松主题《图像与文字的共生，探索图像的当代图像》。 “插画”和“插图”不一样 新京报：当谈插画时。接下来，我想到的另一个词是插图。两者的含义相等吗？通用军事：这两个概念现在有点混乱。广义上的图画是指由文字而来的图像，但中文的文字是可以被打破的。描述的是把图像“插入”到各种媒介中。这里的“光”涉及油画、国画等艺术门类。描述的“轻盈”体现在它对美观和造型没有相应的要求。从功能上看，最依赖图纸的载体是印刷媒体，比如书籍、杂志、报纸。载体图片更加多样化，可以用在广告、产品包装、或者自媒体平台上。这些矢量足以用简单的缩略图来表达情绪和氛围。绘图和插图最大的区别在于绘图总是与文字密切相关，但博士翅膀不是。新京报：图纸的具体造型要求是什么？军长：图纸建模的要求在文中推导。比如古籍图画，如著名的《水浒传》、《西游记》、《西厢记》等，图中的信息需要验证。不同人物的形象构图有很大不同。比如《西厢记》中盈盈和侍女之间的服装和动作就不同。新京报：这些图画是文升创作的。你能解释一下图和文字之间的关系吗？他们各自的叙述有何关联？总则：对于我们刚才提到的古籍插图来说，图像必须完全根据文本来创作，这意味着图像的叙事性与文本的叙事性密切相关。这种起源可以追溯到早期的壁画和佛教经文插图。当时人类的智慧开始率并不高，他们需要借助图像来理解文字内容。早期，人们的生活和图像之间存在着一定的距离。后来，我们和图像的关系越来越密切。此时，图像已不能简单地反映文字的叙事性。我们以《西厢记》为例。主人公的故事背后有情感，也有对传统伦理的突破。我们还需要表达图片中隐含的含义。具体方法有很多。比如明代版的《西厢记》就已经使用了“借喻”的手法。画面中出现两只蝴蝶，暗示人物之间的感情。蝴蝶很容易与梁山伯、祝英台联系在一起。更进一步，为了传达更深层次的含义，图像可以呈现一种直接的叙事。格律上与文本相反。插图来源于文字。作为一名艺术家，你需要与文本创作者处于同一水平上理解文本。这是对插画艺术的最高要求。在讨论插图的含义时，有人会说图像是附加在文字上的。事实上，他们不是。他们一定是平行的叙述关系。文字可以讲述美丽的故事，图像也可以通过视觉语言令人印象深刻。绘画美学“想象中看不到” 新京报：您曾提到绘画风格应该是“书”、“用笔看不到”，这与中国古典美学有什么关系？一般：它们是相同的。 “书生气”在今天已经不再是一个词了。可以说，它是中国古代人对书籍或某种行为的一种审美倾向，代表着一种精神内核。 “意外”讲技巧，即留下一个空白。 “空白”有很多方面。首先，画图时，阅读文字时需要留有空白。你需要打断适合表达插画语言的部分，去掉一些不必要的文字，留下核心。然后创作的时候，不要画太多。最好用一些东西来指代它，而不是涵盖所有东西。还有图画的摆放位置、图画大小与书整体的关系、阅读节奏等问题。对于放置空间的考虑贯穿于从创作到最终呈现的整个过程。新京报：传统的描写有没有今天可以继承的来源？军事指挥官：传统的绘图不仅仅是图表。剧情怎样，画面就是怎样。现在，情况发生了变化，所以从这部分可以学到的东西不多。我们可以更多了解的是古代插画的构图和审美要求ent中文书籍。他们不像我们今天那样注重视角、焦点和其他视觉关系。新京报：您早期的许多版画作品都是由“黑白”组成的。我在高荣生老师的《全程插画教学》中也看到了这一点。在“学习”中，“黑白”被认为是重要的核心课程。如今视觉环境复杂，“黑白”对于当下创作有何意义？总军：从艺术审美角度来说，“黑白”是高级的。 “黑与白”并不直接存在于客观世界中。经过人类的介入，从自然界复杂的物体中获得了黑白。作为审美层面，一直都是这个标准，没有改变。而“黑白”是我们图片的基本结构，它可以为你支撑整个图片。在我们的教学和实践过程中，“黑白”是一切绘画的基础。很难如果只能用“黑白”来塑造和书写画面。这时候你就要做出选择，控制画面的节奏，确定造型的正确性。这次用“黑白”来考验一下你的功力，一目了然。武将木刻版画《远征B系列》，尺寸：120×120cm，2012。武将木刻版画《竹叶十八图》，尺寸：30x30cm，2012。新京报：在挑选插画展优秀作品时，您会关注哪些方面？总则：首先，它必须满足一件艺术品所必须具备的基本条件。然后我强调它的可读性，并在图像中为观看者留下足够的信息。它需要很多技巧，比如半开的门或远处的脚步声，让读者思考画面中正在发生什么故事。这时候就需要留一个空格。太直接会损害可读性。一个好的描述会让我保持合上书本后，我思考了很久。看来还有一些地方看不懂，只好翻开书再看一遍。以图像为“书” 新京报：您在绘画实践中发现什么新趋势吗？勇士：漫画进展有点慢，现在书里很少看到漫画了。插图的媒介是纸质出版物，它已不再处于鼎盛时期。我们想把它引入到独立创作中。书本和图画都是由您完成的。我认为两者结合将是未来的一个趋势，并重新创造条纹可以生存的土壤。换句话说，让艺术家也参与到书籍的制作过程中。这样，图画就保留了原来的样子，我们的插画创作也会遵循这个路线。仍然是纯粹的描述，画图的热情应该还在书中。新京报：您提到图画和书籍是密不可分的。图片为“图画”和图像作为“书”可以有机地结合在一起。两者分别指什么，如何理解？军将：作为“插画”形象，在传达文字内涵时通常是完整的。将描述写在书中，它的工作就完成了。与标准绘图相比，图像作为“书籍”可以通过许多不同的方式呈现。它放在书本某一页上的图像可能不完整。书页具有时间和空间的属性，并且具有内在的结构。我们可以将图像分成几个部分并将它们放置在书中，这样继续、翻页或跳页就可以与读书的过程结合起来。作为“书”的形象，为了表达某种意义，也可以不断地重复。在谈论这个话题时，我们问了一个问题，如果你在一本书的第10页上放了一张白纸，这张图片算不算是这本书的插图？那么从两个角度来看图像为“插图”，图像为“书”，视角会发生变化。新京报：此时，一张空白的纸看起来像一个逗号。一般：是的，在书页结构中，一张白纸有纸。新京报：关于书籍艺术的创作方法，您提到了“借用格式”和“去设计”两个创作理念。和你刚才提到的有重叠吗？军长：和以前不同，我们只谈形象本身。古代书籍是从无到有的分类，比如工具书、小说等，后来又出现了一些更专业的形式，比如说明书、政府白皮书等。当你听到书名时，你就会大致了解每种类型的书代表了什么样的知识和内容。以我们每个人都熟悉的语文课本为例。小时候，中国教科书教我们阅读和数字化文字。这是本书内容本身的本质，可以作为我们创作的基础。语文课本本来应该教拼音和笔画，但是如果把这些内容换成其他内容，比如哲学问题，那么当我们再看这本书的时候，我们会发现它应该是课本，但里面却不是。此时，读者就会产生疑问，这些疑问始终伴随着阅读过程。进一步的读者会好奇，书中所讨论的哲学问题与书中有何关系？因此，当我们借用课本的格式来讲述故事的时候，我们就完成了复杂问题的引入。该教科书原本是一本供孩子们讨论不太复杂问题的书。由于很早就同意了，当插入新的内容时，两人却是反对的。这种矛盾正是艺术家关注的焦点并引发思考。另一个有趣的例子是圣经。造物主放置了许多与现实相关的混乱和苦难的形象，比如战争、书中，将图像直接叠加在文字上，让图像直接质疑文本，引导人们反思圣经到底是一个什么样的文本。我们都知道将图像粘贴在文本之上是违反设计标准的。这就是你提到的另一个问题，“去设计”。看似打破常规，但却服务于内容。 “去设计”可以说是大多数书籍艺术的第一步。当我们第一次读到这本书的时候，感觉很普通，和我们平时看到的书没有什么不同。然而，当我们打开阅读后，我们发现它与我们习惯看到的书有很大不同。这和我们原来说的“手工书”、“艺术家手工书”不同。那些书更注重美化或改变书籍的形式。我们创作的艺术不会改变其形式，而是保持书籍的结构和适当的设计，然后将精彩的内容放在这里。 1“借站《ndards》案例《家庭按摩》，作者王一宁。本书借用推拿疗法引入的公式来展示家庭成员之间的疗愈互动。2《借用格式》案例，请输入您想要的产品》，作者殷景贤，作品借用了词典的格式，在《从当今年轻人的角度诠释了日常生活中“水”的含义》。翻开第一页，会出现一个“请输入您想要的产品”对话框。第二页，对话框中会出现“水”，里面整个页面采用字典格式，用“水”造句，有丰富的当下生活细节，可以放大查看。您创作中的文字？将军：做医学插画，需要有医学基础知识，不需要是专业的医生。现在我也想尝试训练医学生画这些图。比如医学生只需要知道最基本的绘画技法就可以了，而且时间也不会太长。我们已经开始在一所学校进行试点。新京报：说到这里，我想到了最近的AI图像生成的大规模模型。有一种更新的模型可以取代大多数生物绘图。将军军：不管AI有多聪明，现在也很强大。错误是不可避免的。绘图时我们会与医生充分沟通，确保准确性。另外，AI的审美还停留在数字图像的层面，无法与传统伟大的艺术作品相比。新京报：我觉得AI生成的现代风格图像可以更接近，因为有很多任何材料和直接的文字都不需要太丰富。传统艺术风格或小众风格的发展很容易发生改变。总体而言：AI 数据库仍然相当狭窄。我们还开玩笑说，如果未来每个人的图像都不数字化，人工智能就无法生存。新京报：说到人工智能无法取代的美学，像医学图画这样的作品，需要有一定的审美关注。有哪些要点？一般：几个小时前我们和一位医生聊天，他需要一系列包裹手的照片。现在有些图片不准确，纱布包扎工艺不好。医生的意见也是如此。虽然这是正确的并且可以使用，但是我们可以准确地绘制出手的形状。对于我们作为图像制作者来说，画出纱布捻转的过程并不困难。只要我们有足够的建模能力，并与医生合作，我们就可以画出这些关系。每个医生都有不同的要求恩特。有一位心脏外科的医生需要心脏的图像。他告诉我们，首先不能是血腥的，要清楚地了解心脏的结构。好的。然后我们可以画一种较浅的颜色而不是鲜红色。当我们处理视觉时，角度和它所代表的内容之间存在着某种关系。我们还需要考虑图像的比例和体积。张旋、胡晨程、杨文丽水彩作品《心电图》的一部分。新京报：您提到图纸的本质是功能性、实用性，并且不断适应新的环境。线条图的发展是否描述了它？将军：前面我们提到书籍中的图画越来越少，我们还要加上一个限定：科学书籍对图画的需求很大，而艺术的创作者并不重视。坚持插图的广度。我的意思是通过适应新时代，从纯粹功能的角度将美学纳入绘图中。纸本水彩画《口腔疣状白斑》，作品尺寸：50×50cm，苏婷雪、胡佳、郑悦作品。 当图纸面临“快”和“慢”的阅读特点时。新京报：如果我们远离纸质媒体，图画在数字媒体中是否有一席之地？概述：数字媒体的阅读内容很短，很少有人读大书。它所需要的图像是光，光的创作不符合插画创作的规则。绘图需要大量的工作，需要深入讨论与文字的关系。速度较慢，需要一定的时间来阅读。在数字空间中，我认为编程更合适cloudless 有一个有趣的现象。早期，公开文章中存在大量摄影照片。现在的趋势是放置像图画这样的小图像。这张图不需要太深y 与文章相关，读者不会花很长时间来消化图像的深层含义。时间太短了。此类图像需要快速读取并快速创建。新京报：像报纸杂志，您认为是快媒体还是慢媒体？将军：我觉得还是挺快的。我以前有一些朋友给报纸杂志做插画，周期不是很长。在插画领域，真正的经典绘画出现在国内外的文学名著中。他们的文本提供了足够的信息，你可以从许多创造性的角度进行选择。新京报：刚才您提到文献中的图画较少。您认为原因是什么？小时候读的文学名著有很多精美的插图，但现在很少见了。军长：确实和形象爆炸有关系。今天，我们看到的都是图像，甚至有些文字也变成了图像ges。如今，大家看图已经很方便了，而且已经养成了习惯。现在书里的图少了，已经不像以前图少的时候那么过瘾了。另外，我觉得现有的文学作品太弱，无法调动创作者的积极性。新京报：这也和这个时间非常快有关。保持当前的速度并不意味着它将获得长期的活力。总体而言：是的，不能一遍又一遍地阅读。当中国插画大规模爆发时，文学与图像共同经历了鼎盛时期。鲁迅先生的文字中的插图是巨大的。当时许多艺术家参与了绘画创作。光是《阿Q正传》就有很多版本。稍后，联系我们的书籍可能需要封面图片。以后封面图就不需要专业人士来绘制了。他们还知道，有些书可能只能通过时间短，也是出版商顺应时代的变化。新京报：如今的视觉环境已经从爆炸性的复制变成了AI智能生成图像。媒体的速度越来越快，越来越好，您如何看待这种变化？总则：首先是接受。我个人认为AI是一个工具。从工具的角度来说，它可以提高我的效率，改善很多看起来太难的传统劳动任务。人工智能就像我们在工作中接触计算机一样。当时有人讨论要不要用电脑。现在，这不是问题了。无论如何我都会应用它。目前帮助我的效果不是很好，对我的效果也不好。我尝试画一组与古埃及有关的图画。我会给它一些关键词，让它构建一个法老生活的场景。出来的图像都是错误的。这些事情我们还是要做，自己做研究，找资料。而且，当我看到古老的埃及文化遗迹，我必须从多个角度来看待它，因为我无法从它前面的角度把它带出来。我还需要查看所处的环境，甚至需要确定场景中粘土板的厚度。这个要求对于AI来说有点“被迫”。新京报：在快节奏的世界里，慢创作的手工性意味着什么？概述：由于人工智能的出现，手工工作变得更加重要。事实证明，当我们还在做体力劳动时，人们似乎不太在意。当人们被大量的数字图像淹没时，人们发现有些东西是我们无法给予的，与我们的工作和我们自然的内在本性有关。撰文：卢婉婷（刘晓飞也为本篇文章提供采访） 编辑/龚兆华 校对/薛景宁
